ARTE BRASILEIRA EM LOS ANGELES

“Exposição Anna Maria Maiolino, com curadoria de Helen Molesworth e Bryan Barcena em The Museum of Contemporary Art, Los Angeles , setembro de 2017”

Parece quase sinistro que, apenas nos últimos anos, entre 2014 e 2017, os Estados Unidos tenham finalmente vindo a conhecer a obra de uma das boas artistas brasileiras, Anna Maria Maiolino. A mostra da Hauser & Wirth, em 2014, em Nova York e, agora, a exibição de suas obras no Museum of Contemporary Art, em 2017, como parte da série do Sul da Califórnia Pacific Standard Time: LA/LA, patrociunada pela Fundação Getty, revela ao público dos EUA a obra dessa artista, abrangendo desde seus trabalhos da década de 1960 até o presente.

      É ainda mais interessante, em virtude dos tempos atuais, que Maiolino seja uma artista- imigrante, nascida na Itália em 1942, imigrado com a família para a Venezuela antes de se radicar no Rio de Janeiro, para frequentar a Escola Nacional de Belas Artes. Grandes rupturas, incluindo a II Guerra Mundial, e sua vida em diversos países sul-americanos (sua mãe era equatoriana de nascença), assim como um período em Nova York, forneceram-lhe um sentido de deslocamento que lhe permitiu apreender as diversas etapas da arte brasileira, incluindo os movimentos minimalista e conceitualista do final dos anos 1960, ao longo da ditadura brasileira de 1964-1985, e a ascensão dos movimentos feministas do Brasil e da América do Sul, que ajudaram-na a criar uma arte com uma gama ampla de perspectivas.

     Ao lado de figuras ímpares da Nova Objetividade Brasileira como Lygia Clark e Hélio Octicia (este grande artista que frequentadores da arte nos EUA estão redescobrindo), e outros como Lygia Pape e o marido de Maiolino, Rubens Gerchman, Maiolino começou explorando várias formas de arte, incluindo performances em vídeo, happenings, gravura e trabalhos orientados na direção da linguagem, envolvendo palíndromos e obras orientadas para a boca. De fato, em sua exploração contínua do papel da mulher na sociedade tradicional, a boca, em particular, tornou-se uma espécie de metáfora de sua arte, usando-a não apenas como ferramenta de expressão, mas de consumo, de desejo, e “canibalismo cultural”, no qual a mesma coisa que as mulheres mais oferecem à vida familiar era também a ferramenta que as destruía frequentemente.

      O ovo se tornou um de seus temas mais comuns: como objeto, tanto frágil quanto confirmador da vida, um símbolo de gênero, fertilidade, mas também um alimento consumível. O ovo, além disso, representa uma de suas maiores preocupações, o “dentro e fora” das coisas, um objeto duro, contudo macio, ou, como proclama a exposição do MOCA, algo “durável, contudo delicado”— uma coisa, assim como as mulheres e os outros humanos, que estava determinada a criar vida nova, porém podia ser destruída pelas tropas de quaisquer figuras violentas, atirando-se contra as cascas frágeis da vida humana.

      Mais recentemente, Maiolino começou a adicionar esculturas de argila à sua gama já ampla de materiais. Algumas delas, assim como suas pinturas objetivas do começo, são objetos não-representacionais, queimadas uma vez, e depois queimadas com ainda mais força, para criar lóbulos que ela amarra juntos, em  penduricalhos notáveis, que criam um todo formal maior.

     Outras se apresentam como moldes, nos quais algumas de suas criações esculturais se aninham, enquanto outras parecem ter sido removidas de seus locais básicos de aninhamento, como se os “pássaros” tivessem deixado seu ninho familiar. Como Maiolino disse em outro lugar: “estou sempre trabalhando com dicotomias entre dentro e fora”. Observando suas composições em “moldes” como “Uns & Outros”, ela diz: “está claro que são territórios que contém e que recebem”— exatamente como o peito da mãe poderia ser descrito para um bebê recém-nascido.    

    E muitas dessas obras de argila estão, novamente, conectadas à boca: cordas gigantes de criações de argila semelhantes a macarrão, ou mesas, ou até mesmo camas arranjadas em manifestações de argila sem queimar que parecem salsichas, pães, sanduíches e outros alimentos. Essas esculturas brincalhonas também nos lembram do trabalho sério da maioria das donas de casa, o eterno arrumar, cozinhar e limpar que suas vidas implicam. Mesmo no excesso exagerado de suas obras esculturais em argila percebemos as ocupações infindáveis das mulheres de todas as culturas, mesmo quando há algo de terrivelmente cômico nessa revelação mais extrema de seu trabalho duro.

      A arte de Maiolino é política e reveladora, sem ser particularmente polêmica. Exprime sua opinião com gentileza, ao mesmo tempo que ainda desafia o espectador a conseguir ignorar as expressões declarativas de sua arte. A boca é, ao cabo, a determinação final da vida familiar: é a mãe, não o pai, quem sabe das coisas, guiando a família a seu futuro, internamente e externamente.

      Os homens de um de seus vídeos só consegue rolar os ovos, sem saber realmente o que fazer com eles, ou mesmo como marcar aquelas que poderiam ser suas realizações.

*

“Material de Construção: Processo e Forma na Arte Brasileira” / Los Angeles, Hauser & Wirth, 14 de setembro-18 de outubro de 2017”.

Como parte do programa “Standard Time: LA/LA”, patrocinado pelo Getty Trust, a galeria Hauser and Wirth, em Los Angeles, traz uma mostra espetacular de artistas brasileiros, intitulada “Material de Construção: Processo e Forma na Arte Brasileira”. Ao lado da exibição de arte concreta “Fazendo Arte Concreta: Obras de Argentina e Brasil na Coleção Patricia Phelps de Cisneros”, agora no Getty, e a mostra de Anna Maria Maiolino no MOCA (que resenhei anteriormente), os habitantes de Los Angeles agora começam a se maravilhar com a notável diversidade e originalidade do mundo brasileiro da arte.

      A mostra da Hauser & Wirth toma como base obras do brilhante pintor, fotógrafo e designer brasileiro Geraldo de Barros (1923-1998). Também associado ao movimento de arte concreta, Barros criou suas próprias imagens na pintura, colagem e fotografia, trazendo meios desconstrutivistas, incluindo obras nas quais “o efêmero, o fragmento, o tempo, o descontínuo e a ação, ao mesmo tempo, estão presentes”.

      As obras dessa mosta incluem fotogramas de 1949/2014, uma fotografia de beleza original,  consistindo em linhas e blocos de espaço em branco, cinza e preto, do mesmo período, “Fotoforma”; uma colagem sobre papel, sem título, de 1996-1998; uma bela pintura que forma ótimo par com “Fotoforma”, também sem título, de 1979; uma obra sem título de plástico laminado em madeira, com retângulos vermelhos, azuis e amarelos descentrados, cada um apresentado em ângulos levemente diferentes, o que cria uma estranha sensação de deslocamento e perspectiva; e duas colagens flutuantes retangulares de 1980, intituladas “Estudos”. Outros fotogramas e impressões de gelatina sobre papel de fibra incluem paisagens urbanas (“Sem título [Granada, Espanha]”), e uma reunião de cadeiras modernistas (Barros fundou a cooperativa de produção de móveis chamada UNILABOR) em “Cadeira Unilabor [São Paulo])”, de 1954/2014.

      Juntas, essas são algumas das melhores obras dessa mostra pequena, cujo coração representam. Mas o que os curadores descrevem como “ecos” são frequentemente obras igualmente fortes, de artistas posteriores e mais jovens, como Celso Renato, cujos acrílicos sobre madeira são abstrações estonteantes; Paulo Monteiro, que trabalha com materiais industriais como ferro, alumínio, cimento, pedra, madeira, e até fita de cortina; Ivens Machado, que trabalha com materiais similares; Rodrigo Cass, trabalhando com concreto e têmpera sobre linho; Lucas Simões, também trabalhando com concreto, aço e linho; e a altamente inventiva Erika Verzutti, que cria obras feitas de papel machê, poliestireno e cera, além de criar obras como “Porn Star,” usando concreto, aço inoxidável e acrílico. Uma de minhas obras favoritas da mostra foi “Flowers”, de Verzutti, deste ano, 2017.

      Em resumo, o título da mostra diz tudo. Esses artistas abstratos criaram suas “abstrações”! usando o que muitos poderiam descrever como materiais de construção ou industriais, abraçando as próprias substâncias das estruturas arquitetônicas em que suas obras seriam expostas. E, nesse sentido, é particularmente adequado sua arte aparecer agora, por mais brevemente que seja (a mostra se encerra em 18 de outubro), no antigo espaço industrial da Hauser & Wirth.

Geraldo de Barros, fotograma 1948